Venez participer à un atelier ludique autour du kaléidoscope corporel, pour danser et créer en famille !
Infos pratiques:
Pour enfants de 5-10 ans accompagnés d’un adulte, habits souples (de sport) conseillés
15h30-16h30 samedi 13 mai
Lieu: Au Dansomètre, avenue de Corsier 19
Pas d’inscription nécessaire.
Depuis plusieurs années, Racha Baroud explore la notion d’héritage inconscient tant au niveau intime que performatif. Avec le temps, elle est devenue de plus en plus sensible à la dramaturgie des corps, à ce qu’ils dégagent naturellement, ce qu’ils racontent hors de toute intention, à ce qu’ils portent en eux. Elle les observe comme on contemple un paysage, tente de lire les traces de leur vécu à travers leur posture, leur mouvement, leur rythme, leur respiration, leur voix, leur regard car au final, nous sommes tous le fruit à la fois d’un vécu et d’un héritage dont nous ne sommes pas toujours conscients.
Aujourd’hui, c’est dans le cadre de l’hôpital psychiatrique de Malévoz et en collaboration avec les patients qu’elle compte approfondir et ouvrir sa recherche. Tout au long de sa recherche, elle tentera de devenir à la fois moteur, réceptacle, et révélatrice d’une phrase corporelle et vocale crée avec les patients. Le travail ne consistera pas en l’analyse psychologique de traumas, mais plutôt de faire émerger la matière et de la laisser se déployer, avec comme crédo ce vieux proverbe chinois « Si le fou préserverait dans sa folie, il rencontrerait la sagesse ».
Racha Baroud
Racha Baroud est une performeuse et metteur en scène Libanaise. Elle monte son premier spectacle en 2015, Aujourd’hui c’était mon anniversaire, un hommage musical au théâtre de Tadeusz Kantor. En 2020 suite à l’explosion du port de Beyrouth, elle co-réalise le documentaire Ali, Hachem et Khaled avec Roy Arida. En 2022, elle présente à Beyrouth son dernier spectacle Et si ces larmes n’étaient pas que les miennes ?
Cette résidence bénéficie du soutien de Pro Helvetia Le Caire.
Dans ce travail, Amina Abouelghar va explorer une série de sons, expressions et gestes issus de la mémoire du peuple, des événements qui ont été transmis oralement à travers les générations et qui sont liés à notre mémoire collective. En relation avec la danse qu’elle pratique et le travail de son corps, elle se concentrera sur trois facteurs sensoriels différents : le son, le goût et le toucher, et la manière dont ils sont accentués et mis en valeur dans les histoires qu’elle aura recueillies. Ces éléments seront visibles et exécutés au cours de la phase finale du projet, lors de la chorégraphie et de la composition. L’intention de ce projet est de s’interroger sur l’importance de la pratique du souvenir. Le souvenir peut être un acte politique lorsque l’on appartient à des états paralysés, stagnants et opprimés.
La composition musicale sera créée par Laure Betris.
Amina Abouelghar
Amina Abouelghar est une danseuse, chorégraphe, professeure de danse et de yoga basée au Caire.
Laure Betris
Laure Betris est une musicienne suisse-irakienne qui joue de la guitare, chante, écrit, compose et se produit. Elle découvre la scène à l’adolescence dans le groupe grunge féminin Skirt à la fin des années 90. Depuis 2008, elle se produit en concert et enregistre 4 albums sous le nom de Kassette. Actuellement, Laure est active dans plusieurs groupes : Kassette (pop), Horizon Liquide (musique électronique), H E X (rock psychédélique), Big Eyes Trio (ciné-concerts), Eïla (chœur de femmes) ou Azur3000 (blues ambiant poétique).
Cette résidence bénéficie du soutien de Pro Helvetia Le Caire.
Nous sommes à un moment de l’histoire où l’État polonais tente constamment de limiter les droits de ses concitoyennes. Malheureusement, la Pologne n’est pas une exception. « Only The Dead Fish Goes With The Flow », proposé par la danseuse/interprète Izabela Orzelowska et le scientifique/scénographe Dr. Gonzague Rebetez, explore un dialogue, une conversation et un échange entre trois voix/personnages sur la résistance féminine dans le cadre d’un solo de danse.
Cette pièce de danse de 35 minutes a été présentée pour la première fois en septembre 2022 à Berne. Pendant la résidence de recherche au Dansomètre, ce sera l’occasion de développer, prolonger et complexifier une scène de la pièce du point de vue personnel polonais vers un combat international plus large de femmes.
Izabela Orzelowska – performance, son et texte
Izabela est née et a grandi à Siedlce, en Pologne. En 2014, elle a obtenu son diplôme à l’Université des Arts de Rotterdam. Entre 2016 et 2021, elle a travaillé en tant que danseuse indépendante au sein de multiples projets en Suisse et à l’étranger. Izabela enseigne régulièrement la danse en Pologne, en Suisse, en Corée du Sud, en Allemagne et en Norvège. Depuis quelque temps, elle explore de plus en plus la production de musique électronique et le DJ’ing.
Dr. Gonzague Rebetez – lumière et scénographie
Gonzague est un scientifique créatif attiré par la lumière, l’ingénierie, l’art et tout ce qui se cache entre les deux. Son parcours académique l’a mené de Fribourg à l’université de Berne, avec des escales internationales dans certaines des meilleures institutions du monde. Après avoir terminé son doctorat en chimie physique, il a maintenant quitté le laboratoire pour rejoindre la scène artistique. Il explore actuellement l’interaction entre la science/technologie et la création artistique.
Je voudrais aborder le corps à la façon d’un archéologue, comme une matière qu’il s’agit de creuser afin de reconquérir et de laisser émerger les matières fantômes qui nous habitent.
Le corps est réceptacle des expériences vécues mais aussi des désirs refoulés et des rêves jamais concrétisés. Tous ces fantômes viennent se condenser dans notre chair et se cristalliser comme des fossiles. L’outil de la danse revêt le rôle d’une fouille archéologique, en allant déterrer et en remettant du mouvement à l’endroit où la chair a encore des choses à dire.
Léna Bagutti
Née au Tessin en 1992 d’un père suisse et d’une mère franco-algérienne, Léna Bagutti-Khennouf quitte la Suisse après son baccalauréat (option physique et application des mathématiques) pour suivre des formations en danse contemporaine dans différentes villes d’Europe. Son intérêt s’oriente vers une physicalité théâtrale et elle nourrit continuellement sa formation en danse avec d’autres disciplines telles que le clown, le mime, et plus particulièrement le travail avec la voix qu’elle a commencé à Bruxelles avec la pédagogue et chorégraphe Sandra Vincent.
« La fête de Méropé » est un projet d’art vidéo inspiré par les sept Pléiades ; Méropé est l’une d’entre elles.
Qui est Méropé ? Quelle forme a son existence ? Est-elle : animale ? végétale ? minérale ? chimique ? Ce sont toutes ces questions qui ouvrent des narrations fictives possibles, des séquences filmiques, des enchaînements chorégraphiques, des costumes, des peintures, des tableaux vivants.
Dans « La fête de Méropé », l’intention n’est pas d’illustrer des légendes mais d’interroger les fondements de ces mythes, afin d’engager des interprétations libres et interdisciplinaires autour de la figure de Méropé.
Agnès Ferla
Artiste visuelle vivant à Vevey, son travail navigue entre figuration et abstraction. Elle produit des images, collages et peintures suspendues et méditatives. En 2017, elle obtient la résidence du canton de Vaud à La Cité Internationale des Arts de Paris. Dès 2016 elle organise des expositions itinérantes avec le collectif d’artistes « 8 février ».
Valentine Paley
Née en 1986, à Vevey, Valentine Paley se forme à la danse contemporaine en Suisse et en France. Dès 2009, elle s’investit dans sa propre recherche chorégraphique. Elle est également interprète pour d’autres compagnies, en Suisse et en France, et elle joue de la batterie dans le groupe Les Craves.
Anthro suit le développement d’une personne s’étant coupée de toute connexion avec les autres, isolée et recluse. On observe son parcours, son vécu et les événements qui l’ont menée à être qui elle est.
Cette nouvelle création questionne la notion d’identité et d’authenticité des individus, ainsi que leurs relations. Elle est le fruit d’une observation simple : qui peut affirmer se sentir constamment libre, authentique et en sécurité ? A quel point l’espace dans lequel nous nous trouvons ainsi que les personnes qui nous entourent, influent sur notre capacité à montrer notre vrai soi? Peut-on facilement faire confiance?
Maxime Jeannerat
Commençant sa pratique de la danse en Hip Hop freestyle, Maxime Jeannerat a suivi une formation de danse à la Salzburg Experimental Academy of Dance (SEAD) en Autriche.
Une expérience sensible et une mise en mouvement qui explorent les frontières de la folie dans un contexte dénué de codes normatifs.
Sur scène, deux personnes solitaires se retrouvent sur un banc public et commencent le récit corporel du monde intérieur qui les habite. L’un se retrouve empêtré dans sa maladresse et l’autre cherche à faire corps avec tout ce qui l’entoure pour se fondre dans le décor. Ce qu’elles tentaient jusqu’à présent de cacher devient visible de tous.tes.
Ce « monstre bancal » sort de son placard ! Forcés de constater qu’il est incontrôlable, ces deux êtres se libèrent du poids des apparences pour apprivoiser et aimer cette folie. Un jeu de lâcher prise se met en place et les pousse vers des situations aussi touchantes qu’absurdes.
Sada est une compagnie de danse et de théâtre physique fondée en 2020 par les danseuses Anaïs Glérant et Diana Lambert. La compagnie propose des projets pluridisciplinaires en valorisant la collaboration avec des artistes issu.e.s d’horizons multiples.
Les créations de la compagnie ont pour ambition de proposer au public des aller-retour entre réalité et rêve, poids et suspension, par des univers et des dispositifs immersifs.
Comment la danse peut être amenée et utilisée dans des lieux de soins ?
Quels outils et exercices concrets mettre en avant lors d’ateliers ou de spectacles dans des lieux de santé (EMS, hôpitaux, foyers, lieux de vie spécialisés, centres psychiatriques) ?
Quelles sont les caractéristiques et vertus de la danse à mettre en valeur et qui peuvent être utiles/thérapeutiques dans ce cadre ?
Lors des ateliers que Simon Ramseier a donnés pour la compagnie Dansehabile, il a remarqué que le fait de se réunir en cercle, de faire des mouvements même peu visibles, d’écouter de la musique et de sentir que l’on fait partie d’un groupe était très apprécié par de nombreuses personnes avec des handicaps plus ou moins lourds.
Cette semaine de recherche avec des personnes à mobilité réduite sera une belle occasion de faire émerger de nouvelles collaborations.
Simon Ramseier
Chorégraphe et danseur diplômé de la Manufacture en 2018, Simon Ramseier a développé en parallèle un fort intérêt pour le monde de la santé. Sa pratique l’amène à utiliser les nombreuses vertus de la danse notamment pour des personnes en situation de handicap.
Aller à reculons, c’est cheminer à contre-courant. Cette exploration amène à interroger une habitude, celle d’aller vers l’avant, et à déconstruire le rapport à l’espace induit par le sens habituel de la marche. En effet, au quotidien, la marche a une visée fonctionnelle : aller d’un point A à un point B. Dans une modernité où le flâneur trouve difficilement sa place, avancer à reculons est un geste fort : il se pose à l’encontre des exigences de productivité.
Dans le processus de recherche, l’artiste s’imprègne de la rencontre avec les obstacles du milieu urbain, qui surviennent dans le dos. Elle explore les états émotionnels que cela induit, mais aussi les possibilités de jeu et d’improvisation. Des changements de direction, d’états de corps, d’énergie, de rythme, et de texture en émergent.
Aller à reculons induit un autre rapport au temps, à l’espace, aux autres. Puisqu’on ne peut anticiper son chemin par l’usage de la vue, on accepte un peu plus l’imprévisible. Comment avancer malgré un certain état intérieur : jouer avec ou s’en déjouer ?
La composition joue avec les inversions et la répétition des motifs. Au prisme de ce concept, le lexique et la technique du break permettent de travailler le poids du corps et les chutes, avec les surprises, les élans et les chemins qu’elles ouvrent.
Elodie Chhor
Danseuse hip hop d’origine khmer, née en région parisienne et vivant à Genève, Elodie Chhor pratique le breaking (bgirl). Elle est deux fois semi-finaliste de la compétition mondiale RedBull BC One en Suisse romande. Elle a suivi la formation supérieure en danse EDHA dirigée par Imad Nefti, dédiée à accompagner les danseurs hip hop vers la création en danse. Ayant beaucoup pratiqué le break dans la rue, sur plusieurs continents, elle explore dans ses recherches artistiques les relations entre l’individu et l’espace qui l’entoure et le traverse.